Teatro Europeo Contemporáneo

Teatro Europeo Contemporáneo

Esta colección intenta plasmar una muestra panorámica del teatro europeo contemporáneo. Para ello, recurriremos a las más variadas corrientes estéticas que hoy buscan forjarse un espacio en el complejo entramado del teatro occidental.
Eduvim abre, de este modo, una nueva puerta a sus lectores en el convencimiento de que, en sus libros, se revelan los más ocultos secretos de la nueva literatura universal contemporánea.
 

Libros del autor en nuestro catálogo:

Arne Lygre es un joven dramaturgo noruego, desconocido aún en habla hispana, pero que pertenece al surco abierto por Ibsen y continuado por Jon Fosse. Su poética surge de los miasmas de una decadencia producida al mundo por las mieles triunfalistas del neoliberalismo, implementado globalmente a partir de la caída del Muro de Berlín.
Su metáfora fría, distante, pinchazo consciente en el marco cultural de Europa, viniendo de un país con su sistema políticamente esterilizado, que representa el reaseguro de muchos principios olvidados por las democracias occidentales, en servicios y genuflexión al peor de los poderes: el de este capitalismo casi espirituoso que plantea la expresión virtual, simbólica, del dinero en la era de la electrónica.
En Desaparezco cunden efectos narrativos que imperiosamente, en una puesta, se traducirán en espacios íntimos, subjetivos, monológicos, alternantes a los espacios gregarios, dialógicos.

Arne Lygre es un joven dramaturgo noruego, desconocido aún en habla hispana, pero que pertenece al surco abierto por Ibsen y continuado por Jon Fosse. Su poética surge de los miasmas de una decadencia producida al mundo por las mieles triunfalistas del neoliberalismo, implementado globalmente a partir de la caída del Muro de Berlín.

Su metáfora fría, distante, pinchazo consciente en el marco cultural de Europa, viniendo de un país con su sistema políticamente esterilizado, que representa el reaseguro de muchos principios olvidados por las democracias occidentales, en servicios y genuflexión al peor de los poderes: el de este capitalismo casi espirituoso que plantea la expresión virtual, simbólica, del dinero en la era de la electrónica.

En Hombre sin propósito, el único personaje nominado (el arquitecto Peter) llega a una bella zona de fiordos, dispuesto a un enorme sacrificio económico, fundar una ciudad, incluso sin tener garantizada una devolución próspera, en busca más bien del efecto liberador de la renuncia. La acción se desarrolla sin artilugios literarios, más bien alimentando el clima poético a base de sugerencias que tantean sobre la piel rugosa de una realidad que está lejos de ser evidente.

Pasillo toma dos días de la vida una familia, en los que el pasado se actualiza mediante diversas estrategias dramatúrgicas. Los personajes son reconocidos mediante sus movimientos corporales y por sus sonidos, especialmente por su respiración apnéica. Ese respirar sin naturalidad, y los movimientos que atraviesan el estrecho espacio de vida producen una partitura música-escénica particularmente tensa. Es así como Minyana desenvuelve su compleja materia poética, poniendo a dialogar lo habitual y lo extraño, lo íntimo y lo social con los registros corporales y sonoros de las subjetividades, mientras que disuelve ciertas oposiciones estáticas: monólogo-diálogo; habla-silencio; oralidad-escritura; exterioridad-inteririodad; vida-muerte. Estos polos se difuminan, almagaman y complejizan bajo su trama. Será el lector y el actor quienes necesiten de su cuerpo y voz para que el texto alcance toda su potencialidad, y aún con la ausencia textural de ciertas convenciones será la experimentación la que dé pautas al trabajo escénico.

A la obra Paseos de Noëlle Renaude la componen cinco momentos o "escenas", donde las voces de los personajes exigen que las escuchemos decir. Los personajes -seres verbales- deambulando, vagan por distintos e imprecisos tiempos y espacios. Paseos por las palabras que los personajes dicen y repiten: frases que van y vienen dando cuenta, como anuncian las indicaciones, de lo que "precedió" y "siguió". Ellos no hablan persiguiendo un intercambio, sino el 'no dejar decir', particularmente, lo que ya fue dicho en contextos diferentes al de la obra. En esta obra de Renaude, tal como sostiene Ubersfeld, el habla se ubica entre el teatro y la narración, y allí se ubica el actor como un "cuerpo parlante". La autora logra captar y condensar el relato de la comunicación; se focaliza, no en el intercambio, sino en el relato del intercambio. Así, las interacciones son 'traducidas' por los personajes, por el monologante dramatúrgico, restando protagonismo a los hechos y a las reflexiones que estos pudieran convocar, cuestión sumamente atractiva para actores y directores, dada la experimentación y las cuestiones que plantea el "teatro narrado".

Traducción del libro por Susana Nigro.

“Además del origen incierto y anónimo de la trama, Otelo es una tragedia emergente del desencantamiento de la incipiente Modernidad donde, en ausencia de toda intervención divina, el hombre asume su soledad y se entrega a las fuerzas que lo ligan consigo mismo y con la naturaleza. Aunque en la superficie dramática, el protagonismo y el tema reflejen las figuras de Otelo y los celos, en lo profundo, el núcleo trágico es otra ficción monstruosa: el vínculo racional entre los hechos y las palabras devienen una alucinación narrativa.” “Fácticamente, todo sistema formal (dramático, biológico, físico, social) alcanza una masa crítica de complejidad formativa a partir de la cual se textura. En la textura no se diferencia ninguna Forma, la relación figura-fondo deviene un cálculo sin unidades. El Texto (como sistema altamente saturado de relaciones) deja de constituir un discurso para devenir Textura. Y sobre esta ‘textura’ alucinante, Lukas Bärfuss operará una ‘relectura/reescritura’ abreviada del Otelo de Shakespeare donde el texto se convierte en un personaje expuesto a las fuerzas de los acontecimientos”.

A fines del siglo XIX un anarquista francés planea una atentado contra el observatorio de Greenwich, el reloj madre que se había convertido en la marca ineludible del tiempo y desde entonces coordina todos los relojes del mundo. La destrucción de esta referencia universal se planea como una protesta contra la tiranía del tiempo. En su valija de mimbre Martial Boudin lleva una bomba, pero no llega a destino porque esta estalla antes de tiempo. Los flamencos Paul Pourveur, Stefan Hertmans y Claire Swyzen partieron de este hecho histórico para escribir la obra Tirannie van de tijd/Tiranía del tiempo. El punto de partida son los restos de los cuerpos, esparcidos por los andenes de la pintoresca estación de Greenwich. Nueve viajeros esperan un tren y tras la explosión van a parar a un pliegue del tiempo. Los tres autores recogen los pensamientos “que se dispersan, como nómadas por el andén número 2” exponiendo fragmentos de la vida de estas víctimas del tiempo en escenas que van desde las preocupaciones más cotidianas hasta reflexiones filosóficas, en un lenguaje muy visual y poético.

Gabriel Fernández Chapo Traducción del neerlandés: Micaela van Muylem

(…) Estamos ante una tragedia clásica al revés. Los fragmentos recitados y cantados parecen restos, fragmentos, residuos, esparcidos y reunidos al azar, como la armonía invisible de Heráclito: textos incomprensibles y relatos incoherentes. Y sin embargo, por el espesor de las repeticiones y resonancias en la trama textual, cobran sentido.(…) Rijnders parece decir: todo es desinterés. Este no es un teatro de la amenaza; por el contrario, es un teatro que retomando la tradición de la tragedia ática, derrama una mirada melancólica sobre el mundo. Nos devuelve en el espejo de la representación un mundo de Narcisos; nadie espera cambiar nada, nadie se enfrenta a la abulia. Más allá estallan bombas, pero el lecho barroso es siempre un lugar de comodidad donde hacer oídos sordos. ¿Qué auxilio se puede esperar? Todo pedido de afuera es desoído, toda emoción banalizada. La acción ha sido desterrada de la escena. No es que no suceda en otra parte, es que el coro no quiere oírla, mucho menos asistir y participar, en el sentido griego, de esta tragedia.

Soledad González Traduccióndel neerlandés: Micaela van Muylem

En la obra se celebra tres veces el cumpleaños de Irina. Tres veces hablan las hermanas sobre el pasado, en lugar de hacer planes realistas para el futuro; luego llega el admirador ya descartado, suena música de la juventud y el último cambio de profesión revela haber sido una mala idea. A la exuberancia de posibilidades de vida, que las tres hermanas evalúan con brillante retórica, se contrapone la pobreza de vivencias. Villa Dolorosa es una nueva versión de Tres hermanas, de Chéjov. Lo notable es que en los últimos años fueron sobre todo directores quienes hicieron la obra interesante para el presente, a través de nuevas puestas en escena. Ahora ese terreno fue recuperado por una autora, que no teme a las grandes áreas de ideas y responde, con la gracia del desesperado, al hecho de que el individuo sólo puede correr siempre detrás de las certezas sociales. (Simone Kaempf, taz, 28.01.2010) Traducción: Micaela van Muylem  

El presente volumen contiene tres textos extraídos de la profusa producción teatral contemporánea italiana a modo de ejemplo para ilustrar el estado de salud de la dramaturgia italiana actual. Conscientes desde ya que con esto omitiremos voces importantes y autorizadas, reconocidas a nivel internacional, hemos realizado nuestras elecciones sobre la base de un criterio muy simple: limitarnos a algunos autores y textos que en el curso de los últimos tres años fueron representados en Córdoba gracias a nuestro aporte y al de algunas instituciones argentinas. Así seleccionamos los textos de Emma Dante, Spiro Scimone y Laura Pariani. O sea, tres autores a los cuales se asigna la importante tarea de representar en el seno de esta novísima colección dedicada al teatro europeo, un retrato de la nueva dramaturgia italiana contemporánea.  Traducción: Pablo Anadón - Emma Dante - Javier Folco